Ксения написал(а):А мне импонирует эклектичность этой выставки, нестандартный подход к "Азбуке".
И мне тоже ! Хочется чего-то свежего.
Зато букве "Ы" повезло -на нее оканчивается много терминов , обозначающих направления искусства начала 20 века. И посетителям можно пройти небольшой ликбез на знание этих стилей.
Название стилей написано вертикально над картинами.
Экспрессионизм.
Экспрессионизм (от лат. expressio, «выражение») — течение в европейском искусстве эпохи модернизма, получившее наибольшее развитие в первые десятилетия XX века, преимущественно в Германии и Австрии. Экспрессионизм стремится не столько к воспроизведению действительности, сколько к выражению эмоционального состояния автора. В широком смысле экспрессионистическим можно назвать искусство (вне зависимости от времени его создания), которое ставит перед собой задачу не столько воспроизведения действительности, сколько выражения порождаемых этой действительностью в авторе эмоциональных переживаний — при помощи различных смещений, преувеличений и упрощений. Известными представителями этого стиля в европейской живописи было Кокошка, Шиле, Сутин, Мунк.
На выставке этот раздел модернизма представляют две картины.
Марк Шагал родился в 1887 году в Витебске. Этот провинциальный город всегда занимал важное место и в душе, и в творчестве художника. Даже любимый Париж Шагал называл «вторым Витебском».
Во Франции художник прожил большую часть своей жизни. Именно там он познакомился с кубизмом, который в сочетании с примитивизмом и экспрессионизмом лёг в основу его уникального творческого метода. Почти восемь десятилетий Марк Шагал творил в своих работах уникальный мир, в котором причудливо сплетались библейские сказания и фольклорные легенды, герои сказок и классические персонажи цирка, улицы реальных городов и фантастические места из сновидений самого художника.
«Мое искусство не рассуждает, оно — расплавленный свинец, лазурь души, изливающаяся на холст. Долой натурализм, импрессионизм и кубореализм! Они скучны мне и противны», - писал Шагал в автобиографическом романе «Моя жизнь».
В 1910–1920-х годах основной темой работ Шагала стал его родной город. Он встретил в Витебске и Первую мировую войну, и революцию. В этот период художник, по его словам, создавал произведения-«документы»: он написал более 70 портретов, пейзажей и жанровых сцен на основе собственных натурных впечатлений от города.
Именно в этот период Шагал и написал «Портрет брата Давида с мандолиной». Любимый младший брат художника попал на фронт и вернулся без ноги.
В 1914 году Шагал дважды пишет портрет брата. На одном из них (хранится в галерее Атенеум в Хельсинки), красочном и жизнеутверждающем, – увечья Давида не видно. Он играет на мандолине, сидя боком к зрителю, на фоне яркого интерьера.
«Портрет брата Давида с мандолиной» (1914) из коллекции Приморской государственной картинной галереи написан в то же время, практически таких же размеров, однако впечатление, производимое им на зрителя, совершенно другое.
Давид сидит на том же стуле, так же перебирает струны мандолины, но изображен он почти в фас, у сумеречного окна, окрасившего всю картину в синий, знаменитый шагаловский синий цвет. В данном случае – это цвет безнадежности, печали. Лицо искажено гримасой сарказма, натужной бравады; отсутствие правой ноги бросается в глаза. Однако гротеск сглаживает тяжелое впечатление от трагедии, которая произошла в жизни героя картины, смягчает, а не усугубляет его.
В этой картине соединились основные черты художественного мировоззрения и авторского почерка Марка Шагала раннего периода: гротеск, ирония и доброта.
Марк Шагал говорил об этой картине: «Я написал твой портрет, Давид. Ты смеешься во весь рот, блестят зубы. В руках — мандолина. Всё в синих тонах. Ты покоишься в Крыму, в чужом краю, который пытался перед смертью изобразить, глядя из больничного окна. Сердце мое с тобой».
В «Портрете брата Давида с мандолиной» проявлены главные качества художественного мировоззрения и авторского почерка Марка Шагала его раннего, наиболее цельного и ценного периода. В нем есть и гротеск, и ирония, и доброта. Мягкая романтическая душа художника находит свое воплощение в этих качествах.
Эта работа объездила уже чуть ли не весь мир: ее демонстрировали на выставках в Австрии, Италии, США, Японии и многих других странах.
Она оценивается у сумму около миллиона долларов США.
На этом портрете изображен художник Николай Русаков — его написал Александр Родченко.
Николай Русаков родился в 1888 году в деревне Писклово Челябинского уезда Оренбургской губернии. В 1913 году он завершил полный курс живописного отделения Казанской художественной школы при Императорской Академии художеств. Его педагогом по живописи и рисунку был Николай Фешин. В этой школе он учился вместе с Александром Родченко. Дружба между Русаковым и Родченко не прерывалась до конца жизни. Портрет друга Александр Родченко создал в Москве в 1912 году.
В Московском училище живописи, ваяния и зодчества Русаков учился у известного живописца Константина Коровина. Русаков стал первым челябинским художником, который получил столичное профессиональное образование, и занимался развитием живописи в родном городе.
Русаков был репрессирован в Челябинске в 1941 году по ложному обвинению в антисоветской пропаганде. У семьи конфисковали письма, которые присылали ему Александр Родченко, Владимир Маяковский, Константин Бальмонт. Из собрания Челябинского музея изъяли пять картин художника и до сих пор их судьба неизвестна. Из-за ложного обвинения имя живописца находилось в забвении до середины 80-х годов XX века. Память о художнике и его живописи, где переплетались формы модерна, черты живописи Гогена и Врубеля, хранили только его ученики, которые занимались в его в студии в 1930-е годы — в «Академии Русакова».
Портрет написан на деревянной основе, служившей палитрой, в пастозной экспрессивной манере, чистыми несмешанными цветами. Пастозная манера — это техника работы плотными, непросвечивающими слоями, мазками краски, иногда создающими рельефность. Такой прием используют в масляной живописи, так как именно масляные краски обладают необходимой вязкостью и густотой.
Работу передала в собрание Челябинской областной картинной галереи дочь художника. Подарок был приурочен к 100-летию со дня рождения Николая Русакова.
Конструктивизм.
Конструктивизм — направление в изобразительном искусстве, архитектуре, фотографии и декоративно-прикладном искусстве, зародившееся в 1915 году и существовавшее в течение первой половины 1930 годов в СССР, затем в ряде других стран, прежде всего, в Германии (Баухаус) и Голландии (Де Стейл).
Конструктивизм принято считать советским явлением, возникшим после Октябрьской революции в качестве одного из направлений нового, авангардного, пролетарского искусства, хотя, как и любое явление в искусстве, он не может быть ограничен рамками одной страны.
В условиях непрекращающегося поиска новых форм, подразумевавшего забвение всего «старого», новаторы провозглашали отказ от «искусства ради искусства». Отныне искусство должно было служить производству, а производство — народу. Большинство тех, кто впоследствии примкнул к течению конструктивистов, были идеологами утилитаризма или так называемого «производственного искусства». Помимо вышеуказанного направления на становление конструктивизма оказали огромное влияние футуризм, супрематизм, кубизм, пуризм и другие новаторские течения 1910-х годов в изобразительном искусстве, однако социально обусловленной основой стало именно «производственное искусство» с его непосредственным обращением к современным российским реалиям 1920-х годов (эпохи первых пятилеток).
Термин «конструктивизм» использовался советскими художниками и архитекторами ещё в 1920 году: конструктивистами себя называли Александр Родченко и Владимир Татлин.
