Эскиз к картине «Кузьма Минин» Илья Репин написал в 1894 году. Первоначально эту работу приобрел известный московский коллекционер Иван Цветков для своего собрания, которое он называл «конспектом русского искусства». После расформирования Цветковской галереи работа через Государственный музейный фонд поступила в Астрахань.

Эскиз написан широко и свободно, а его колорит построен на мягких оттенках серебристо-голубого и охристого цветов.

В центре композиции эскиза — фигура русского национального героя Кузьмы Минина, организатора и одного из руководителей Земского ополчения 1611–1612 годов, периода борьбы русского народа против польско-литовской и шведской интервенций. На картине Минин обращается с воззванием к огромной толпе, заполнившей соборную площадь: он призывает народ пожертвовать средства на нужды ополчения и подняться на освобождение Москвы от поляков. Силуэт Минина выделяется на фоне белокаменного Нижегородского собора.

Этот эскиз так и остался эскизом: свою работу Репин заканчивать не стал.

Парный портрет «Мать и дочь» Харламов написал в духе сентиментальных сюжетов европейской литературы XIX столетия. Облик героинь: их тонкие черты, большие выразительные глаза, светлая, почти сияющая кожа и живописно растрепанные густые волосы — разительно контрастирует с крайней бедностью обстановки: обшарпанными серыми стенами, потрепанной скатертью, практически пустым столом. И мать, и дочь выглядят юными и трогательными, и потому особо беззащитными перед суровыми условиями собственной жизни.
Харламов изобразил героинь в позах, характерных для иконографической традиции: мать держит дочь на руках, прижимая к груди; девочка же одной рукой обнимает ее за шею, а второй прижимает к себе куклу. Так художник отсылает зрителя к образу Богородицы, страстотерпицы. На эту параллель указывает и едва узнаваемая икона, которую Харламов поместил за спинами героинь.
Большое внимание Харламов уделил не только персонажам портрета, но и деталям изображенной обстановки. Он тщательно выписал рисунок ковровой скатерти и узоры майоликового кувшина для воды, изобразил тончайшее кружево черной шали на плечах матери и даже лицо маленькой куклы на руках девочки. Изысканная цветовая палитра и тонкая манера письма отсылают к натюрмортам голландских художников.

Таким образом, в картине «Мать и дочь» Алексей Харламов соединил традиции классического европейского портрета и старинные каноны русской иконы.

Картина «Ненюфары» поступила из Государственной Третьяковской галереи в 1927 году. Она раскрывает техническое техническое мастерство живописца. Полотно сочетает в себе предельно точную, детальную передачу окружающего мира и свежее, яркое колористическое решение.

Чтобы сделать водяные лилии центральным объектом картины, Левитан написал их из лодки, глядя на ненюфары сверху вниз. Поэтому горизонт оказывается за пределами холста.

Крупные листья и лилии, похожие на аппликацию, лежат на водной глади, отделяя воздушное пространство от глубины водоема. Левитан мастерски передал прозрачность воды, в которой видны уходящие вглубь водоросли.

Искусствоведы считают, что «Ненюфары» нельзя отнести ни к пейзажному жанру, ни к натюрморту.

Отредактировано Loconte (2022-04-18 09:21:34)

Первые картины астраханского собрания приобрел основатель музея Павел Догадин. Пейзаж Левитана «В парке» Догадин считал одним из своих наиболее удачных приобретений. Эта работа стала и самой дорогой картиной в его коллекции: в мае 1917 года Догадин заплатил за нее Павлу Саурову, владельцу Постоянной художественной выставки в Москве, целых шесть тысяч рублей. Кроме живописных произведений, в фонде Астраханской картинной галереи сохранились каталоги выставок и газетные заметки о творчестве Левитана, собранные Павлом Догадиным.

Картина «В парке» изображает умиротворенный заброшенный уголок: тихая заводь пруда поросла камышом и водяными лилиями, белые чашечки которых словно светятся на темной глади воды. Пейзаж наполнен меланхолическим настроением, характерным для многих работ Левитана 1880-х годов.

На момент создания этой картины живописцу едва исполнилось двадцать лет, но его мастерство и талант уже высоко оценил сам Павел Третьяков, известный меценат и основатель Третьяковской галереи. В это время Левитан жил в Московской области, в Останкино. Работая исключительно с натуры, он писал полные лиризма пейзажи, преисполненные легкой грустью и любовью к родной природе, в том числе создал и картину «В парке».

Современники называли Исаака Левитана «мастером пейзажа настроения».
«Левитан любил русскую природу фанатически, почти исступленно, и благодаря своей особой чуткости и нервной проникновенности он сумел вобрать в себя все мысли и чувства, которым горели его сверстники и товарищи. Претворив их в своем индивидуальном, ему одному присущем лиризме, он выразил все это в своих картинах, отразивших искания целого поколения. Он был самым большим и самым мудрым мастером русского пейзажа»,
— писал известный живописец и реставратор Игорь Грабарь.

Написанный в 1882 году, этот небольшой по размерам этюд входит в серию произведений 1881–1882 годов, созданных живописцем под впечатлением его путешествий по Востоку, в ней нашли свое отражение ориентальные мотивы, популярные у русских и европейских художников того периода. Одновременно с этим данный этюд являет собой классический образец пленэрного пейзажа: мы видим развалины древнего храма в яркий солнечный полдень — на картине практически нет теней.

Отредактировано Loconte (2022-04-18 09:53:12)

Неслучайные гости

Картина Михаила Нестерова «За Волгой», созданная в 1905 году, была частью цикла, который художник задумал как «написанный красками роман, роман в картинах». Работы этой серии Нестеров писал под впечатлением от произведений писателя и публициста Павла Мельникова-Печерского «В лесах» и «На горах», которые достоверно и детально описывали жизнь купцов-старообрядцев.

Работу «За Волгой» Нестеров задумал как философский рассказ-размышление о человеческом бытии, месте природы в установлении духовного миропорядка. В героях картины воплотились две истории любви, не сложившиеся в одну, и два противоположных взгляда на изменения в стране, на новый мир нового века.

Молодой купец, крепко стоящий на ногах с гордо поднятой головой, прямо и решительно смотрит Волгу. В его образе воплощается практический, деловой подход к жизни и окружающему миру. Героя картины можно сравнить с Лопахиным из «Вишневого сада» Антона Чехова или Кудряшом из «Грозы» Александра Островского. Баржа, тянущая пароход по реке, является своеобразным символом купца: отражает прогресс, неизбежное движение времени.

В образе женщины, печально склонившей голову, воплощается мир прошлого, близкий к природе, следующий старинным законам и традициям. Символом героини на полотне предстает березка — тонкая, хрупкая и одинокая.

Для купца река — это пространство для движения судов, его природа — это земли, которые нужно осваивать. А для женщины природа — это душа: пейзаж, в котором нет ярких красок и солнечных тонов, отражает грусть и тоску самой героини.

Картина «За Волгой» занимает особое место в экспозиции Астраханской картинной галереи. Она является центром каминного зала музея, где проходят различные творческие встречи, музыкальные вечера и торжественные события.