Натюрморт в русском искусстве появился в XVIII веке вместе с утверждением светской живописи, отражая познавательный пафос эпохи и стремление правдиво и точно передать предметный мир. Русская живопись XIX века не богата натюрмортами. И большой удачей для музея явилось приобретение из частной коллекции «Натюрморта с цветами и фруктами» Фомы Гавриловича Торопова.

Имя этого художника, вышедшего из крепостных крестьян, ученика императорской Академии художеств, теперь мало кому известно, его работ сохранилось немного. На академических выставках встречались его портреты, несколько натюрмортов хранятся сейчас в Третьяковской галерее.

Художник рисует зрителю щедрую картину редкого, почти экзотического, изобилия цветов и фруктов. Вспомните, ведь в русских усадьбах XVIII – XIX в оранжереях выращивали даже экзотические плоды. За кажущейся случайностью в расположении цветов и фруктов скрывается несомненное композиционное мастерство мастера. Картина создаёт общее настроение чего-то нарядного и праздничного.

В 1850-1860 годах не было светской гостиной, где бы не красовалась головка Ивана Кузьмича Макарова. Кисть его была мягкая и деликатная, рисунок отличался безусловной точностью и смелостью прежних русских мастеров.

Особенно удавались художнику Ивану Кузьмичу Макарову женские и детские портреты. Глава многочисленного семейства, нежный и любящий отец, он особенно охотно писал детей. «Дети Макарова – это диковинные живые цветы в пене кружев, складках атласа, бархата, шелка... Дети для него – идеал жизнерадостного бытия человека», – писала одна из исследователей творчества художника.

Таким диковинным цветком в экспозиции стал портрет Машеньки Толстой. О ее судьбе мы знаем немного. Современники вспоминают ее отца, графа П. Д. Толстого. Он происходил из древнего дворянского рода и был редкий, благороднейший и добрейший человек. Братья Марии служили офицерами в русской армии. О ней самой пока известно лишь то, что она стала фрейлиной высочайшего двора. Как вспоминает граф Сергей Дмитриевич Шереметев в своих мемуарах, «старшая дочь графа Марья Павловна была красивая и милая девушка».

Отредактировано Loconte (2025-03-16 18:31:58)

Развернувшаяся особенно остро в конце 50-х – начале 60-х годов борьба за широкую демократизацию искусства и его активную роль в общественной жизни не могла не отразиться и на развитии пейзажной живописи. Изображение национального пейзажа приобретает глубокую идейную содержательность и демократическую окраску в творчестве пейзажиста-передвижника Алексея Кондратьевича Саврасова. Картина Саврасова "Чумаки" не дает представления о творчестве художника, известного всем автора картины "Грачи прилетели". Но она обогащает наше представление о раннем, наименее изученном периоде его творчества, для которого характерно увлечение романтической трактовкой природы в сочетании с передачей непосредственно увиденного жанрового мотива. Сказывается школа художника-романтика Максима Никифоровича Воробьева. В начале 1850-х годов художник едет на юг России и на Украину. В бескрайних пространствах степей, в богатстве красок закатного неба художник нашел ту возвышенную красоту, которой будут отмечены многие его пейзажи. Выбор сюжета свидетельствует и о тревоге художника за судьбу своих героев: чумаками в Крыму называли перевозчиков соли, их профессия была опасна из-за риска заразиться чумой в связи с часто вспыхивающими здесь эпидемиями.
Конкретный жанровый мотив приобретает романтическую окраску. Художника привлекает эффектное состояние природы: золотисто-алый закат, который он передает при помощи прозрачных лессировок: тонкой градации цвета, плавных переходов одного тона в другой. Низкий горизонт (2/3 холста занимает закатное небо) усиливает ощущение бесконечности вселенского простора, грозной торжественности природы, которая, кажется, в состоянии подавить и поглотить этих одиноких людей, затерявшихся в бескрайней степи...
"С Саврасовым появилась лирика в живописи пейзажа и безграничная любовь к своей земле" – скажет Исаак Ильич Левитан. Саврасов был передовым педагогом. 25 лет он преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. "Изучайте и чувствуйте" - основа его педагогической системы. У него учились Левитан и Светославский, Коровин и Каменев... Саврасов - один из наиболее глубоких и тонких поэтов родной земли.

Среди первых русских художников, обратившихся к сценам из народной жизни, был Андрей Андреевич Попов. Он учился в Академии художеств у Максима Никифоровича Воробьева и Богдана Павловича Виллевальде. В 1850-е годы успешно выставлялся на академических выставках, за картину «Склад чая на Нижегородской ярмарке» был награжден большой золотой медалью и пенсионерской поездкой в Париж и Рим. Автор широко известной «Демьяновой ухи» представлен в экспозиции музея небольшой картиной «Утро на кухне (Кухарка)».
Для художника, творчеству которого было чуждо сатирическое направление, характерно при изображении окружающей жизни всё дрянное и грубое не выпячивать на первый план. Он любуется просветленностью и радостью маленьких непримечательных людей, жизнь которых полна труда и лишений. Живописец стремится к безыскусственности, к простоте выражения повседневной жизни. Не зря, современники отмечали в его картинах "основательное знание быта". Его творчество смыкается с распространенным в 60-х годах литературным жанром – фельетоном и бытовым очерком. Всё это мы находим в его работе "Утро на кухне", написанной со свойственной художнику повествовательностью, несколько нарочитой детализированной проработкой второстепенных деталей, отнюдь не мешающих целостному восприятию картины. Колорит благородный с преобладанием серовато-лиловых тонов. В работе прослеживаются традиции родоначальника критического реализма в русской живописи – Павла Андреевича Федотова. Уделяя повышенное внимание мастерски написанным деталям, художник погружает зрителя в атмосферу той жизни, которой живет молодая женщина. Легко догадаться, что хозяин ее небогат, а круг обязанностей широк. Академическая выучка сказалась в цветовой гармонии и композиционном решении: фигура молодой женщины и разбросанные предметы вписаны в треугольник, подчеркнутый перекладиной стола, тенью от трубы, другими деталями. Работа Попова "Утро на кухне" дает возможность убедиться, что художник не поднимался ещё до каких-либо глубоких социальных обличий, но само обращение к теме маленького человека, изображенного с большой душевной теплотой и симпатией, было крайне важно в те годы. Подававший большие надежды художник после заграничной поездки из-за болезни работал мало и вскоре был позабыт.

В этом зале эффектный потолок.

Пален (фон дер Пален) Мария Ивановна  (в девичестве Вуич; 1850 -1940) - русская художница, баронесса. Окончила ИАХ в 1870 г. в одно время с Ю. Ю. Клевером, Г. И. Семирадским, Е. М. Бем, Е.Е Волковым, в дальнейшем продолжала совершенствоваться в частных мастерских. Училась у А. Д. Литовченко, К. В. Лемоха и П. П. Чистякова. Состояла членом Первого Дамского художественного кружка в С.-Петербурге с 1882 по 1918 г., Петербургского общества художников с 1884 г.
В 1917 году, после революции, Мария Ивановна с сыновьями, Владимиром и Эммануилом, эмигрировали в Германию. Далее о жизни Марии и Владимира почти ничего не известно, а вот Эммануил стал научным сотрудником, а потом и профессором астрофизической лаборатории в Потсдаме. Преподавал в Швейцарии в Базельском университете.

Иван Николаевич Крамской, вдохновитель «передвижников», – крупнейший мастер реалистического портрета. Его портреты поражают глубиной анализа и непосредственной правдивостью. Признанными шедеврами стали портреты Толстого, Некрасова, Третьякова, Салтыкова-Щедрина. Образы крестьян занимают особое место в портретном творчестве Ивана Николаевича Крамского. Они сыграли большую роль в формировании Крамского-портретиста. Известен эпизод, когда молодой Крамской написал этюд старика-крестьянина, отмеченный большим сходством с моделью. Однако сам натурщик отнесся к своему изображению критически. «Ты, может, то и нарисовал, а душу забыл», – сказал он. «Как же душу-то рисовать?», – обиделся художник. «А это уж твое дело – не мое», – отвечал крестьянин. Разговор произвел на молодого живописца очень сильное впечатление и повлиял на все его дальнейшее творчество. Интерес к душе модели будет читаться во многих работах Крамского. Крестьянские портреты, скромно названные этюдами, были выставлены им уже на первых передвижных выставках: «Пасечник» (1872), «Мельник» (1873), «Полесовщик» (1874), затем «Созерцатель» (1876), «Мина Моисеев» (1882). Крамской хотел написать большую картину из жизни деревни – крестьянский сход – и рассматривал этюды как будущие типажи. В каждом отражена неповторимая личность со своей судьбой и в то же время дана точная социальная характеристика. Его крестьяне разные – скорбно-задумчивые, настороженные, лукаво-насмешливые, но всегда значительные, всегда виден их характер, для передачи которого выбирается поза портретируемого, поворот головы, жест рук. «Старик-крестьянин», которого вы видите, дополняет эту серию. В его облике соединяются острое чувство действительности и, одновременно, созерцательное отношение к ней. Вместе с тем, в этом образе выражено и то присутствие "здравого смысла, ясности и положительности в уме, которые ещё Белинский отмечал как характерную особенность русского народа. Нам запомнится и его облик – величавый и благородный, и его умные, старчески усталые, потухшие глаза, и правильные черты лица, изрядно покрытого морщинками, высохшего, но не потерявшего своей привлекательности и той особой одухотворенности и законченности, которая бывает на лицах людей, проживших долгую, многотрудную жизнь. В глазах крестьянина застыла печаль, он глубоко задумался. Сомкнутые кисти рук создают невидимую преграду, подчеркивающую его погруженность в себя. Крамской – большой мастер тональной живописи. Гармония устойчивых близлежащих цветов передана в этом портрете с большим мастерством, богатство различных оттенков коричневого придает настроение спокойствия. Старик производит впечатление человека мягкого и доброго, терпеливо переносящего свои невзгоды.

Немца по происхождению, Карла Викентьевича Лемоха считают одним из лучших русских живописцев-жанристов конца XIX-го – начала XX-го века. Главной в его творчестве выступала тема жизни и быта русской деревни. Лемох был одним из четырнадцати бунтовщиков, а позже бессменным казначеем Товарищества и участником всех передвижных выставок. Он был лично знаком с семьей Александра III и по распоряжению императора даже изменил своё имя на более близкое для россиян – Кирилл. Жизнь художника была тесно связана с двумя русскими столицами: Петербургом и Москвой. В Петербурге Кирилл Викентьевич давал уроки детям императора Александра Третьего, немало работ мастера находило своих покупателей среди членов царской семьи. Не менее тесные связи Лемох сохранил и с Москвой, купив небольшую дачу в подмосковном селе Ховрино. Именно в подмосковной мастерской художника родились такие его замечательные картины, как „Нищенка”, „Весеннее солнышко”, „Новый член семьи”, „Что случилось?”. Приобретение дачи совпало по времени с рождением у Лемохов дочери Вареньки. Вероятно, сильная любовь художника к дочери распространилась и на её многочисленных друзей – ховринских ребятишек, в окружении которых она проводила летние месяцы. Там, в Ховрино, Лемох неожиданно нашёл одну из тем своего творчества – дети и детство. Произведения, изображавшие детей принесли художнику наибольшую славу.
Появившуюся на XXII выставке передвижников «Варьку» К.В. Лемоха можно считать одним из лучших образов крестьянских детей в русской живописи XIX века. Эта симпатичная девчушка-непоседа, написанная искренне и с любовью, с метко схваченным выражением смышленого личика, – несомненная удача художника, не раз обращавшегося к изображению крестьянских детей. Образ девочки созвучен времени. Серовское «хочу отрадного» задело и этого приверженца передвижничества, и уже не болью и страданием, а светлым радостным чувством наполнено его полотно.

Отредактировано Loconte (2025-03-17 08:22:30)